на что ставит художник картины
На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее
Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?
И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!
Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.
Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте
Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!
Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь. Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!
Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!
А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.
«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»
Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.
А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.
Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.
Кедровая доска под живопись
Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)
В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.
Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.
В первую очередь, конечно — холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете в специальной статье.
Я заканчиваю картину на льняном холсте
Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.
На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью. То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.
Пример моих картин / холст на картоне
Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций. А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!
Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.
Пример моей работы на оргалите
ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста. Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.
Рождение парусника мастихином на ДВП
Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону. Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.
Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже
На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:
На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?
Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне. Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)
Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне
Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!
Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.
Как выбрать бумагу для живописи:
Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!
Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Стол или мольберт? Что выбрать художнику для рисования?
Что для художника важнее – талант или мастерство?
Как нарисовать портрет в технике Старых мастеров
Стол или мольберт? Что выбрать художнику для рисования?
Несмотря на то, что мольберт на протяжении многих веков является неизменным атрибутом художника, тем, кто только начинает свой путь в изобразительном искусстве, его преимущества не очевидны. Не лучше ли рисовать за столом, за которым комфортней и привычней? Однако опытные художники всегда предпочитают работать стоя, и для этого есть ряд весомых аргументов.
Что представляет собой мольберт
Мольберт – это приспособление, предназначенное для установки полотна вертикально или под небольшим углом к вертикали. Большинство моделей также регулируется по высоте, что позволяет с удобством использовать одну и ту же установку людям разного роста. Это особенно актуально для художественных школ и студий, где работает большое количество учеников.
Существуют стационарные и мобильные мольберты. Первые представляют собой массивные, прочные и устойчивые конструкции, способные выдерживать тяжелые холсты любого размера. Полотно крепко зажимается специальной планкой или устанавливается на планшетную подставку. Стационарные модели имеют в нижней части утяжелители, поэтому не качаются даже при энергичном письме. Недостаток стационарных моделей в том, что они требуют дополнительного места в доме, но, если вы собираетесь заниматься живописью профессионально, рано или поздно придется задуматься о приобретении именно такого мольберта.
Если вы рассматриваете живопись как хобби или как занятие для ребенка, можно купить мольберт-хлопушку, который по окончании работы можно сложить и поставить у стены либо расположить в проеме между шкафом и стенкой. Такие конструкции несколько тяжеловаты и недостаточно устойчивы, но в нерабочем состоянии практически не занимают места.
Для этюдов оптимальным вариантом будет складной портативный мольберт, выполненный в виде треноги или имеющий телескопическую конструкцию. Треноги складываются до длинной планки, а «телескопички» – до короткой связки реек.
Преимущества мольберта
Мольберт практичен и удобен при рисовании на габаритном полотне, которое можно зафиксировать по центру, не опасаясь, что оно перевернется при нажиме на переферийные участки. В свою очередь, для устойчивости лежащей на столе картины, стол должен быть таких же размеров, как она сама. Чтобы убедиться, насколько это непрактично, попробуйте представить процесс написания картины, которую художник рассматривает в этом видео, на столе
Сказать, что будет неудобно – ничего не сказать, особенно если работать в технике Старых мастеров, когда требуется скрупулезное внимание к мелочам. Посмотрите, насколько тщательно проработаны фактура и мелкие детали, вплоть до волоска, травинки и складок одежды. Увидеть все эти нюансы, располагая полотно горизонтально невозможно и вот почему.
Перспективное искажение
Когда лист бумаги, холст или другое полотно для рисования лежит на столе, художник смотрит на него под углом, что приводит к перспективному искажению всех объектов. Эти особенности нужно учитывать и все время представлять, как изображаемые элементы будут выглядеть, если поставить картину вертикально – так, как на нее смотрит зритель. Прокручивать в голове подобный «паззл», учитывая, что под углом линии и формы вытягиваются и искривляются, достаточно сложно и под силу только опытным художникам. Но даже они не станут утруждать себя такой работой, поэтому отдают предпочтение мольберту.
Удобство просмотра
Чтобы обеспечить целостность композиции и видеть все недочеты, художнику приходится постоянно отходить от картины и смотреть на нее издалека. При рисовании за столом можно увлечься и забыть об этом. С другой стороны, отходя назад, вы увеличиваете угол обзора, что приводит к еще большему искажению изображаемых объектов.
Рисование на мольберте не имеет подобных недостатков, потому что художник работает стоя, а картина располагается вертикально. Такие условия сами подталкивают живописца к тому, чтобы он оценивал свое творение с расстояния потенциального наблюдателя. На курсе изучения технологии оптических просветов мы рекомендуем своим ученикам еще один действенный прием при рисовании на мольберте – поворот картины. Поворачивая время от времени полотно, можно увидеть места, которые требуют доработки. При каждом повороте всплывают все новые и новые нюансы, поэтому менять ракурс картины следует постоянно. А на этапе проработки изображения наждачной бумагой, когда закладывается воздушная перспектива и объем, поворачивать полотно нужно как можно чаще, чтобы не выпустить из виду даже малейшую погрешность. Подробнее о смене ракурса и о том, на что нужно обращать внимание при каждом повороте, рассказывается в этом видео.
Забота о здоровье
Длительное сидение за столом приводит к тому, что мышцы спины и шеи перенапрягаются и становятся малоподвижными, что увеличивает риск появления остеохондроза и искривления позвоночника. Работа за мольбертом лишена подобных проблем. Художнику не нужно постоянно наклонятся вперед или в стороны, чтобы увидеть мелкие детали или оценить изображение с другого ракурса – достаточно подойти ближе, отойти дальше либо сделать шаг вправо-влево. Таким образом, спина всегда находится в ровном положении, и мышцы получают умеренную нагрузку.
Безусловно, к мольберту нужно привыкнуть, и сначала будет казаться, что работать за ним не слишком удобно. Но это только в самом начале. В дальнейшем вы оцените все преимущества и будете с удовольствием рисовать стоя, не опасаясь за свое здоровье. А, если при этом вы хотите писать «живые», гармоничные природе картины, технология оптических просветов (ТОП) станет верным помощником в реализации ваших идей. Она основана на многослойной технике Старых мастеров и эффективных современных методах живописи, благодаря которым можно создать гармонию цвета, завораживающее пространство и реалистичную фактуру. Подробнее о ТОП рассказывается в книге, которую можно бесплатно скачать по этой ссылке.
Как подписать картину? Подпись под картиной: как сделать правильно?
Часто начинающие авторы стесняются подписывать свои творческие работы и, наоборот, подписывают так тщательно, что надпись становится самой важной частью изображения. И то, и другое может навредить как самому художнику, так и зрителю (покупателю / ценителю живописи). Так что же делать? Ставить ли подпись на картине вообще и как это сделать правильно?
* Во-первых: подпись под рисунком ставим обязательно.
* Авторство художника следует указывать обязательно.
Даже если вы этого не очень хотите или стесняетесь, поставьте пару букв своих инициалов во избежание недоразумений и путаницы. В своё время, например, я рисовала свои собственные ступни ног в качестве домашнего задания и, как водится не подписала рисунок, просто не придала этому должного значения. В то время интернет в России только появился и мне даже в голову не могло прийти, что информация, в том числе и фотографии, будут распространяться с такой сумасшедшей скоростью. Мой рисунок забрали в фонд. И я благополучно забыла о нём. Пока, лет
* На лицевой стороне картинки ставим короткую подпись (мелко написанную фамилию и букву имени).
А вот на тыльной стороне следует написать все выходные данные картины. Это необходимо для выставки, особенно иногородней, при пересылке картины зарубеж. Данные указываются в следующем порядке:
Год рождения автора, город, страна.
Техника исполнения (Например: холст, масло)
Размер (Высота х ширина)
Если работа сделана по фото, пишем, что использовалось фото… автора. Пишем прямо на холсте масляной краской или ручкой, чтобы текст не выцвел и не размазался. Можно распечатать набранный предварительно текст на принтере, а потом приклеить получившуюся этикетку на обратную поверхность картины. Будьте осторожны: краска, клей, пигмент не должны проступать на поверхность картины! Фломастеры лучше не использовать именно по этой причине.
* Рядом с подписью на лицевой стороне картины пишем год создания.
Это облегчит работу оформителя выставки, коллекционеров и сохранит ваше время при подаче заявки на выставку, например, и при восстановлении личной творческой информации и биографии. Думайте о будущем заранее. Год можно обозначить двумя цифрами, но лучше четырьмя.
* Если вы используете для подписи аббревиатуру, то можно разработать собственный логотип или дизайнерский знак, как у Дюрера, например.
По нему будет удобно узнавать ваше авторство, а красивый графический элемент подчеркнёт статусность вас как художника и изящество и красоту работы, даже в деталях. Некоторые художники-акварелисты даже заказывают специальную печать, которую ставят на своих работах вместо подписи.
* Обычно подпись на картине ставится в нижнем правом углу, но в любом правиле есть исключения.
Если внизу справа подпись привлекает излишнее внимание, художник переносит её в другое место. Иногда это делается очень остроумно, к примеру, Эдуард Мане отлично обыграл авторскую подпись, расположив её на винной бутылке в картине “Бар в “Фоли-Бержер””. Посмотрите на картину повнимательнее, и вы её увидите.
Это дело вкуса. Главное, чтобы она была читабельна, разборчива.
* Цвет подписи должен быть контрастным к фону, лучше размещать подпись на лаконичном по цвету, свободном от деталей участке, чтобы она была удобочитаемой.
Но цвет подписи не должен выбиваться из общего колорита картины, иначе ваша фамилия станет более важной для зрителя, чем изображённые на картине объекты и предметы.
* На всех своих картинах лучше ставить одинаковые подписи, так, чтобы было удобнее их атрибутировать (устанавливать авторство).
Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:
2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.
3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂
ОБ АВТОРЕ:
Почему рядом с именем художника иногда стоит знак вопроса и как разобраться в терминах на подписях к картинам
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Зачем нужна атрибуция картин
Не случайно отдельную категорию книжных бестселлеров и снятых по ним фильмов составляют истории о поиске доказательств принадлежности картин великим художникам. Здесь есть где развернуться: долгие века человечество копило как шедевры, так и произведения куда скромнее по значимости. За пять последних веков были написаны тысячи и тысячи картин, зачастую не имеющие указания на автора либо намеренно вводящие ценителей живописи в заблуждение. Только в Нидерландах XVII века, помимо Рембрандта, Вермеера, Ливенса и прочих великих мастеров работали еще несколько тысяч живописцев, в большинстве своем не известных современным исследователям.
Часто удачный холст прославленного мастера копировали ученики в его же собственной мастерской – это сулило прибыли. Но и те, кто не имел отношения к ближайшим ученикам, находили возможности воспользоваться известным именем. Художник Камиль Коро сам с удовольствием ставил автограф на понравившейся ему чужой картине – чтобы помочь выручить за нее большую сумму. Что уж говорить о тех, кто не спрашивал согласия мастера числиться создателем неизвестного ему произведения.
Для рядового ценителя живописи вопросы подлинности авторства, может быть, не особенно важны – всегда остается возможность руководствоваться критерием «нравится – не нравится». Совсем другое дело – музеи: от того, кого признают создателем картины, зависит, размещаться ли ей на видном месте в залах экспозиции или проводить годы и десятилетия в запасниках. И уж совсем принципиально знать о статусе произведения частным коллекционерам и галереям: предметы искусства – это товар, и один-единственный знак вопроса после фамилии художника существенно влияет на цену этого товара.
Бывает и так, что безвестная картина, проходившая раньше под неопределенным названием «неизвестный художник», в результате проведенных исследований оказывается произведением знаменитого живописца. О таком открытии, само собой, мечтают все коллекционеры и все историки искусства.
Что пишут на табличках под картинами
На музейных табличках под картинами порой можно увидеть не просто имя художника, а указание на его мастерскую, учеников, либо вообще знак вопроса после фамилии. Если под произведением живописи или графики значится только имя – это означает, что с большой вероятностью произведение создано именно этим художником, либо же картина хранится в музее давно и вопросами ее атрибуции исследователи еще не занимались, а автор указан «по старинке».
Иногда рядом с именем художника стоит вопросительный знак, так делают в случаях, когда фактических свидетельств для признания этого мастера создателем произведения недостаточно или если владелец картины занимается переводом ее в статус признанных работ этого художника, а это небыстрый процесс. Встречается вариант «приписывается художнику», то есть мнения исследователей разделились, и нельзя ни подтвердить, ни опровергнуть версии о принадлежности картины кисти именно этого мастера.
Порой в создании картины принимают участие несколько художников – часть работы может выполнить пейзажист или, наоборот, портретист. Нередки случаи, когда живописец создавал произведение вместе с учениками своей мастерской, в таком случае под картиной пишут – «художник и мастерская». Такой вывод делают по наличию странных фрагментов, не свойственных обычной манере художника – то есть, по всей видимости, работу частично выполнял кто-то из подмастерьев. Активное участие самого художника в таких случаях считается установленным.
Другое дело, если под картиной значится «Мастерская художника» или «Школа художника». В этом случае подразумевается, что работа выполнена именно подмастерьями, причем нельзя установить, кем именно; сам мастер мог внести исправления, улучшить какую-то деталь произведения. Порой качественно исполненные работы учеников мастера подписывали своим именем – это позволяло выручить при продаже картины значительно больше денег. Историкам искусства в этих случаях приходится непросто – дискуссии о том, кого считать автором, могут длиться десятилетиями и ни к чему не вести, настолько спорным становится вопрос.
На значительно большем «удалении» от мастера находятся картины, подписанные словами «круг художника». Это возможно в отношении произведений, которые написаны не учениками, а самостоятельными художниками, связанными общением, творчеством с окружением мастера. Слово «круг» предполагает, что настоящий автор картины жил в тот же период, что и сам мастер, на которого ссылаются.
Даже тогда, когда выясняется, что именитый живописец не имеет практически никакого отношения к произведению, его имя не спешат убирать с таблички. Оно и понятно, ведь одно дело упомянуть «неизвестного художника XVII века» и совсем другое – «стиль» или «манеру Рембрандта». Иногда формулировка другая – «последователь художника». Все эти варианты говорят о том, что написавший картину не был ни учеником мастера, ни принадлежал к его окружению, возможно, он даже жил спустя десятилетия и даже века после того, о ком упоминает табличка.
Исследование картин Рембрандта и неприятные открытия
О том, как происходит установление авторства художественных произведений, можно составить представление по работе, которая была проделана в отношении картин Рембрандта. Его творения всегда пользовались большим спросом, а, соответственно, и предложений на рынке произведений живописи было достаточно. К двадцатому веку приписываемых Рембрандту работ насчитывалось несколько тысяч – они были выставлены в музеях, украшали собой частные коллекции, становились объектом аукционных торгов, выставлялись в галереях.
В 1968 году в Голландии возник исследовательский проект «Рембрандт», куда вошли специалисты по творчеству этого художника. Они проделали серьезную многолетнюю работу по изучению всех картин, претендовавших на звание рембрандтовских шедевров, по результатам исследований в 1982 году был выпущен первый каталог. Для установления авторства использовались документы из архивов, иногда – художественные произведения, изучались гравюры с картин, проводились экспертизы красок и холста. Впоследствии состав группы менялся, а в свет выходили новые каталоги, последний из них – в 2014 году. Согласно этому изданию, в мире насчитывается 346 картин Рембрандта.
В список не попали несколько шедевров из крупных музеев, в частности, «Мужчина в золотом шлеме» из Берлинской картинной галереи. Исследования экспертов исключили возможность того, что это произведение написано Рембрандтом. Теперь оно определяется как созданное «кругом Рембрандта».
Из собрания ГМИИ имени Пушкина в Москве работами мастера признаны лишь три, а среди коллекции Эрмитажа – четырнадцать, а еще шесть картин, ранее считавшихся принадлежащими кисти Рембрандта, были отвергнуты. Разумеется, для музеев такое развенчание произведений из шедевров великих художников в проходные работы малоизвестных или неизвестных его последователей становится новостью неприятной; иногда такое решение экспертов музеем не признается.
Насколько достоверными являются заключения специалистов? По всей видимости, ошибок исключить нельзя, как нельзя и отрицать столкновения разных интересов, в первую очередь финансовых, в вопросах, касающихся авторства картин. Нельзя забывать о том, что работа специалистов по истории искусства – дело долгое, кропотливое, довольно дорогостоящее, и если обеспечивать их труд берется меценат и владелец коллекции предметов живописи, можно ли в таком случае говорить о полной объективности исследований?
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: