Что такое композиция в изо

Композиция (изобразительное искусство)

Композиция — важнейший организующий компонент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его элементы друг другу и всему замыслу художника. Композиционное решение в изобразительном искусстве связано с распределением предметов и фигур в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени, пятен цвета и т. п.

Содержание

Композиционные приемы

Законы композиции

Виды композиции

Типы композиции

1. Членение на слои

Пространство создают фигуры, а не располагаются в нём, перекрывая друг друга и мерой своей законченности, и располагаясь ниже или выше на холсте.

Такой тип характерен для иконы.

2. Членение на планы

Берёт свои истоки в эпоху Ренессанса Картины тогда состояли из двух планов — 1 хорошо развитый план — действие — 2 слабо выраженный — архитектурный или природный пейзаж В последующее время стали появляться 3, 4, планы.

3. Построение пространства цветом

4. Интерьерное построение пространства

«Завтрак аристократа», «Сватовство майора» Павел Федотов

5. Пластическое построение пространства

это когда пространство строят фигуры Здесь можно выделить 4 подтипа

1. Фигуры надвигающиеся на зрителя

2. Фигуры движущиеся к зрителю или от зрителя

«Крестный ход» Прянишников

4. Композиция с использованием симметрии

Этот тип использовался в эпоху Ренессанса

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, «Афинская школа» Рафаэля

См. также

Примечания

Источники

Полезное

Смотреть что такое «Композиция (изобразительное искусство)» в других словарях:

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО И МИФОЛОГИЯ — Проблема соотношения изобразительного искусства (И. и.) и мифологии охватывает широкий круг вопросов, связанных как с генезисом И. и., так и с особенностями языка И. и. и способностью его адекватно передавать содержание мифологических текстов,… … Энциклопедия мифологии

Изобразительное искусство Италии — «Вакх», Караваджо, 1593 1594. Уффици История итальянского искусства во многом во много предопределила историю искусства З … Википедия

Изобразительное искусство и экспрессионизм — В изобразительном искусстве экспрессионизм оставил самый ранний по времени и самый заметный след, прежде всего, в Германии, где его признаки обнаруживаются в графике и живописи уже в середине первого десятилетия XX в. Об экспрессионизме до… … Энциклопедический словарь экспрессионизма

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО И БИБЛИЯ. — Образы Свящ. ПИСАНИЯ занимают одно из центральных мест в И.и. тех народов, среди к–рых распространилась христ. вера. История библ. сюжетов в живописи (станковой и настенной), мозаике, *иконописи, пластике, витражах и книжной иллюстрации (см. ст.… … Библиологический словарь

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО — в школе, система уч. и внеуч. худож. деятельности учащихся; в узком смысле уч. предмет (до 1964 «Рисование»). И. и. важное звено в системе общего и эстетич. воспитания, один из видов и средств худож. образования школьников. Занятия И. и. призваны … Российская педагогическая энциклопедия

Уругвай. Архитектура и изобразительное искусство — К. Цукки, Ф. Х. Гармендия. Театр «Солис» в Монтевидео. 1841—56. Боковые крылья — 1869—74, архитертор В. Рабю. Уругвай. Архитектура и изобразительное искусство Архитектура. Территория У. в течение длительного времени была мало… … Энциклопедический справочник «Латинская Америка»

Российская Советская Федеративная Социалистическая Республика, РСФСР (архитектура и изобразительное искусство) — XII. Архитектура и изобразительное искусство = Древнейший период … Большая советская энциклопедия

Наука и культура. Архитектура и изобразительное искусство — Фрагмент стены крепости Саксауаман, близ Куско (Перу). XV в. Культура инков. Наука и культура. Архитектура и изобразительное искусство Архитектура. История архитектуры стран Латинской Америки расчленяется на 3 периода: древний (доиспанский),… … Энциклопедический справочник «Латинская Америка»

Сенегал. Архитектура и изобразительное искусство — Ж. Диоп «Родители». Двойная маска. Дерево. Дакар. Среди памятников средневековой культуры Сенегала могильники в виде невысоких круглых насыпей, мегалиты менгиры прямоугольного и круглого сечений, поставленные по кругу (XII XIV вв.; район Тамба… … Энциклопедический справочник «Африка»

Источник

Презентация по ИЗО на тему «Композиция в изобразительном искусстве»

Онлайн-конференция

«Современная профориентация педагогов
и родителей, перспективы рынка труда
и особенности личности подростка»

Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику

Описание презентации по отдельным слайдам:

Композиция в изобразительном искусстве Составила: Хребтова н.А. МБУДО ддт «Кировский», Г. Новосибирск, 2019

Чем отличаются эти две картинки? Какая смотрится наиболее гармоничной? 1 2 Наверно, картинка под цифрой 2, потому что элементы на первой картинке расположены хаотично, а на второй по законам композиции.

Термин «композиция» происходит от латинского compositio — составление, соединение, сложение частей. Когда художник в этюде с натуры пишет отдельного человека или предмет, то композиция не играет особо значимой роли. В случае же, когда на картине изображается несколько людей или предметов, выстраивание композиции становится действительно важной задачей.

Композиция это — распределение всего изобразительного материала на холсте: персонажей, пейзажа, предметов обихода, пространства, цвета, света и так далее, то есть того, что именуется компонентами картины. И не простое распределение, а упорядочение этого материала, приведение отдельных компонентов во взаимосвязь, установление между ними различных отношений — психологических, пластических, цветовых с целью раскрытия главного — идеи произведения.

Перед тем как начинать работать, надо остановиться, подумать, решить, что ты хочешь выразить в своем произведении, представить все элементы, как это все разместится на плоскости холста или бумаги, какой будет общий вид, какой для этого нужен формат. Сделай несколько набросков, чтобы понять, как лучше распределить элементы на листе. А чтобы было легче это сделать, примени знания ЗАКОНОВ КОМПОЗИЦИИ.

Закон целостности — это когда произведение воспринимается как единое и неделимое целое. Все объединено одним смыслом, одним светом, находится в одной среде. То есть плохо если произведение воспринимается как сумма нескольких самостоятельных частей. Ничего не должно быть случайным. Хорошо, когда ничего нельзя было добавить или убрать. Александр Иванов «Явление Христа Народу»

Законы композиции поддерживаются с помощью средств композиции К ним относятся: формат, пространство, композиционный центр, ритм, нюанс и контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и асимметрию, открытость и замкнутость, тени и пластика, точка зрения.

ФОРМАТ – размер листа или холста, определённое соотношение его сторон. Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный, причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник, более или менее вытянутый вверх или вширь. Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден для повествовательной композиции, для последовательного развертывания движения мимо зрителя. В свою очередь, при вертикальном формате, композиция приобретает динамику, движение вверх, возвышенность. Квадратный формат статичен и передаёт спокойствие.

ПЛАСТИЧНОСТЬ – художественная выразительность формы, создание достоверной иллюзии объема, глубины сцены и весомости изображаемых форм, искусство передачи чувства через движение линии и объёма. От пластичной линии в рисунке, зависит живость восприятия изображаемого субъекта.

Источник

КОМПОЗИЦИЯ.

В изобразительном искусстве композиция отвечает за грамотное распределение элементов (фигур, предметов, пятен, объёмов, цветов, света и тени, деталей, направлений и т. д.) в плоскости картины. Это своеобразный “скелет” произведения, выявляющий его образный смысл. При помощи композиции произведение изобразительного искусства приобретает цельность, законченность, взаимосвязь всех элементов и подчинение всего этого основной идее картины.

В отличие от рисования с натуры, занятия композицией позволяют художнику сконцентрироваться на главных, важных характеристиках предметов и их художественных образах, отказавшись от случайных, незначительных деталей и частей.

Работа художника над композицией обширна и включает в себя несколько последовательных этапов:

1) поиск темы произведения;

2) определение идеи картины;

3) выбор сюжета;

4) подбор формата картины, размера листа или холста и техники исполнения;

5) создание структуры линий и пятен будущего произведения;

6) поиск наиболее выразительных и характерных поз персонажей, их характеров и расположения друг по отношению к другу;

7) определение изобразительного языка и стилизации;

8) доработка равновесия цветовых и тональных пятен в картине, ритм элементов;

9) усиление смыслового и композиционного центров;

10) характер и количество деталей и т. д.

4 основных закона композиции:

Правила композиции:

5). Расположение главного на втором плане.

Приёмы композиции:

+ вертикали и горизонтали;

+ контраста:

+ диагоналей (для передачи движения);

+ статики-динамики;

+ равновесия частей;

+ “золотого” сечения;

+ передачи пространства;

+ передачи впечатления монументальности и т.д.

В разные периоды композиция выявляла и отображала общепринятые нормы изображения художниками предметного мира. Подчинение канону сменялось отказом от структурных схем в пользу свободных композиционных приёмов. Всё это свойственно духу эпохи и индивидуальному авторскому вкусу.

1). Композиция в первобытном искусстве практически отсутствует. Изображения животных и человеческих фигур располагаются неосознанно, хаотично на поверхности стены, накладываясь друг на друга или располагаясь на расстоянии. Редки изображения продуманных сюжетных сцен, объединяющих по смыслу фигуры людей и животных в группы.

2). Композиция в искусстве Древнего Востока.

3). Композиция в Древнем Египте.
Подчинение элементов фрески или рельефа определённому порядку, канон в изображении человеческой фигуры задают фризовый характер композиции. А возрастная и социальная субординация помогают выявить композиционный центр и отделить его от периферии. Древнеегипетские художники открывают такие приёмы композиции как ритм (форм, цветов, масс), симметрия, пропорциональность частей друг другу и подчинение второстепенного главному.

4). Композиция в Древней Греции.

Приёмы симметрии, выработанные древнеегипетскими мастерами, древние греки дополнили и обогатили (постепенное нарастание движения от краёв к центру композиции, завершающееся величественной статичность в фронтонах древнегреческих храмов, например, западный фронтон храма Зевса в Олимпии).
Появляется приём выявления центра композиции (сюжетно-композиционного центра) при помощи ярких цветовых пятен.

5). Композиция в эпоху Средневековья.

Художники отказываются от развития композиции в глубину, но вместо трёхмерности появляется орнаментика, декоративность. Композиции средневековых мастеров строятся по принципу ритма, симметрии, декоративности, распределении плоскостных элементов (фигур людей, зверей, святых и фантастических персонажей) в плоскости листа или стены. Линейно-плоскостное начало в рисунке фигур доминирует над объёмным пятном. Часто художники Средневековья объединяют в один сюжет разновременные события и разномасштабные фигуры (величина и массивность персонажей определяется чёткой церковной иерархией). Это достигается при помощи ритмизации элементов композиции, использования принципов симметрии, асимметрии, диссимметрии, декоративной орнаментальности.

6). Композиция в эпоху Возрождения.
Термин Композиция появился в эпоху Возрождения, когда художники, создавая произведение искусства, стремились выразить в нём свою идею и донести её до зрителя за счёт единства рисунка, колорита и сюжетной основы. Жанр произведения и его стилистика, в этом случае, значения не имели, т.к. композицией называли само законченное произведение искусства. С этого периода художники стали разрабатывать и сохранять наиболее удачные схемы композиций, на которые накладывали сюжетное изображение.

Появляются первые теоретические исследования композиции и записи размышлений художников (Джотто, братья ван Эйки, Мазаччо, Гирландайо).
В картины и фрески художников возвращается трёхмерность, поэтому для изображения глубины пространства используются приёмы трёхъярусного расположения пейзажа (Джотто), принцип вертикалей и горизонталей (Джотто), ритмичность чередования масс (Мазаччо). Для раннего Возрождения характерен приём контрастного противопоставления персонажей (“Поцелуй Иуды” Джотто).

Источник

Эфир. Что такое композиция и зачем она нужна.

Многие начинающие художники интересуются темой композиции. Тема композиции в обучении рисованию сейчас незаслуженно обойдена. Ей почему-то уделяют мало внимания, особенно на этапе становления художника, на этапе обучения изобразительному искусству.

Пора про композицию поговорить. Сегодня будет вводный этап разговора о композиции: будет серия эфиров и статей по этой теме, потому что в одном эфире сложно дать и общие понятия, и рассказать об особенностях, и о применении композиции в изобразительном искусстве.

План разговора такой:
1). Что такое композиция?
2). Зачем нужна композиция и чем она полезна начинающему художнику? Нужна ли композиция художникам-самоучкам, тем, кто учится рисовать самостоятельно или обучается на курсах изо?
3). Как использовать композицию в своих работах? Чем ценно знание композиции для рисования? Как композиция влияет на выражение авторской идеи?

1). Что такое композиция.

Он был изображён в виде портрета фронтально, сзади был русский пейзаж, такой, стандартный: небо голубое, трава зелёная и берёзки стоят. Так вот, этот персонаж был написан в такой псевдореалистической манере, насколько художник мог, насколько он владел изобразительной грамотой. У персонажа были такие широко открытые голубые глаза. Но, в противовес к этим позитивным, располагающим моментам, сама изобразительная манера была не чистой. Написана картина была не утрированно нереалистично и, в то же время, с претензией на реализм. Получилось несоответствие задуманного и изображённого по факту, идея и исполнение разошлись.

Где-то были цвета замыленные, где-то форма исказилась и выражение взгляда персонажа было такое, как на картине Врубеля “Пан”. И, когда на эту картину посмотрели зрители, они написали следующие отзывы: это воплощённое зло, это изображён демон или падший монах и прочее. А идея, заложенная в картину, была совершенно другая. Именно потому, что человек не владел композиционными приёмами, не мог управлять теорией цвета, которая тоже может работать как одна из возможностей применения композиции, не использовал стилизацию, не получилось отобразить идею адекватно восприятию зрителя. Чтобы избежать таких ошибок, мы изучаем композицию, занимаемся композицией.

Одной из составляющих композиции является пластический язык. Каким образом, для какого состояния, для какой идеи, для какого настроя какие изобразительные средства подходят. Например, будет это нежная дымка или резкие чёткие границы с обводкой, с декоративными подчёркиваниями? Будет это комбинирование абстракции с реализмом или чистый экспрессионизм? Об этом мы тоже говорим на курсе композиции и за это отвечает, в том числе, композиция, как область знаний художника.

В композиции очень важно уметь управлять цветом. Отдельно существует теория цвета, но было бы здорово, если бы художники изучали теорию цвета комплексно: с учётом основ композиции, с учётом изобразительной грамоты. Речь идёт о том, какие части каким цветом обозначить, насколько плоско или объёмно, в каком процентном соотношении будут цвета по отношению друг к другу во всём холсте или листе.

Музыкальное произведение исполняется хором. Сама идея музыки заложена в изобразительный язык и в структуру самого произведения. Посмотрите на ритм голов, как они расположены внутри этого большого формата. Тяжёлый мощный низ задаёт ощущение точной, монотонной мелодии, на которую накладываются ритмы, полутона, музыкальные нюансы. Те, кто занимался музыкой, легко это могут считать и почувствовать. В картине есть такой фундамент, очень прочный, мощный, монолитный. И этот фундамент музыкального произведения, в нашем случае католического песнопения, в этом тёмном низе очень хорошо изображён. И поверх расположена ритмика отдельных звуков-голов.

Если взять что-то ближе к нашему времени, посмотрим картину Караваджо “Шулера”.

Здесь другая идея. Здесь тоже есть некоторая цельность в нижней части. Все персонажи объединены игрой в карты, общей темой и единым тёмным пятном в виде почти треугольника. И в вершине этого треугольника находится персонаж, который главенствует в этой всей истории. Хотя самый светлый и ярко читаемый тут молодой человек, разглядывающий свои карты, ради него всё и затевалось, но герой здесь персонаж в верхней части картины. Он выделен цветом. Он не только находится в самом верху, в навершие картины, он ещё и самый тёмный. Он тёмный по духу.

На профессиональных художественных выставках сейчас часто встречаются работы ученического характера, когда изображение сделано грамотно, академично, но без учёта композиции. Если честно, это скучно рассматривать. Получается, такая выставка не совсем профессиональная. Художник что-то делает, что-то изображает, но у него нет своей идеи, своего творческого импульса, туда ничего не заложено, кроме ремесла.

Композиции мы учим на нашем курсе, он так и называется, “Композиция” . В оффлайн обучении в классе этот курс называется “Композиция и цветоведение” , он достаточно объёмный. Есть он и в формате видеоуроков по композиции. В нём 6 занятий, он не большой, очень ёмкий. Там я говорю не только о композиции вообще, но и о современной композиции в рисовании и даю свои личные, конкретные наработки в области композиции, упражнения по композиционному мышлению. Чем этот курс рисования хорош: он достаточно академический, но краткий и с ним можно очень по-разному работать и применять его в любой творческой профессии, связанной с изображением. Я там показываю современные композиционные приёмы, как выстраивать изобразительную плоскость, как рассчитать равновесие в картине, как выявить композиционный центр и, в то же время, даю возможность художникам проявить фантазию, помогаю развивать творчество.

В комментариях просят посоветовать книги по композиции, они есть. О. А. Голубева “Основы композиции”, Р. Арнхейм “Искусство и визуальное восприятие”, например. Их, безусловно, нужно читать и изучать, но к самой теории обязательно нужна практика, а композиции лучше учиться с педагогом. Самостоятельно развить композиционное мышление очень сложно. Это я знаю даже по своему опыту. Я обучалась сначала академической композиции, а потом я не могла выбраться за пределы этих заданных композиционных схем.

Можно использовать такую манеру рисования и композиционно грамотно, выполнить рисунок в гиперреалистичной манере, но от такой манеры уйти чуть больше в творчество очень сложно. Гиперреализм просто порабощает художника. Поэтому удобнее изучать одновременно рисунок, живопись и композицию, чтобы сформировать композиционное мышление на раннем этапе и изображать не просто реалистично, а с выражением своей авторской идеи, не только той идеи, которую подсказывает реальность (света, цвета или ещё чего-то), а передать то, что вы лично хотели сказать этим рисунком, конкретно этим сюжетом. Жанр может быть любой: натюрморт, портрет, пейзаж. Это будет не просто изображение природы, а конкретная заложенная в сюжет идея: состояние дня или мечтательность героя, который находится в этой среде.

Чтобы не быть голословной, приведу пример. Усманов М.У. Новый город на Каме. 1975.

У каждого мастера есть свой уникальный путь, который он проходит, и эта философия выражается в композиционной структуре, которую художник выбирает сам в том или ином случае. Как правило, у каждого художника есть свои любимые приёмы. У меня это ритм. На ритме я очень много что могу выстроить, любую тему или идею я могу при помощи ритмизации решить, получается неплохо. Кто-то любит использовать принцип вертикалей и горизонталей, как на той картине, которую я показывала. Это такой принцип композиции, когда изображение строится на перекрестии направлений и форм и ключевые точки, которые образуются перекрестиями, дают нужные маячки, по которым зритель рассматривает картину.

В творчестве это самое важное: не повторяться, не делать ради того, чтобы делать, а создавать что-то своё, уникальное, сильное. В этом и заключается реализация себя, как художника. Это суть самого творчества. Этому учат в любом учебном заведении, где получают творческую профессию в области изобразительного искусства. На эту основу накладываются все остальные знания, умения и навыки художника.

Давайте посмотрим пару примеров ещё. Например, композиция натюрморта. Здесь изображены вполне узнаваемые предметы, но они структурированы таким образом, чтобы было ощущение яркого света, вспышки света. Получилось такое немного меланхолическое изображение, как будто туманный день или пасмурный и предметы теряются в этой дымке. Конечно, мы изображаем натюрморт, предметы, но сам композиционный ход в виде U, даёт мягкость, нежность восприятия этого натюрморта. Сама композиция, сама структура такая.

Или, если говорить о композиции пейзажа, может применяться в живописи такой ход, когда всё состоит из кренящихся направлений, форм. Здесь есть ощущение динамики, движения в пейзаже, света, движения самих объектов, какой-то суеты. Цвет эту динамику немного сбавляет, делает её не излишне драматичной, а скорее забавной.

Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂

Источник

Как создать композицию в живописи

Пейзаж в живописи – как передать красоту природы?

Как рисовать натюрморт

Как создать композицию в живописи

Создание любого художественного произведения начинается с композиции, которая строится по законам визуального восприятия и является основой изображения. Композиция (от латинского compositio – соединение, сочетание, связывание) – одна из главных категорий изобразительного искусства, определяющая художественную форму и задающая разработку картины, рисунка, иллюстрации в соответствии с тем, как человеческий глаз воспринимает действительность.

Композиция представляет собой костяк («скелет») произведения, отвечающий за грамотное размещение объектов в пространстве, правильное соотношение их размеров и конфигураций, а также гармоничное сочетание оттенков и светотеней. Соблюдение композиционных правил и законов является одним из главных секретов целостной и завершенной картины, в которой все элементы взаимосвязаны и подчинены единой идее. Но прежде, чем рассказать о правилах создания композиции, небольшой экскурс в историю.

История композиции

Понятие «композиция» вошло в терминологию изобразительного искусства в эпоху Возрождения (Ренессанса), когда художники при создании произведений начали использовать знания перспективы, геометрии и анатомии. Старые мастера вне зависимости от того, в каком жанре работали, старались выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета и колорита.

Для ренессанса характерны трехмерность, глубина пространства, трехъярусное расположение пейзажа, принципы ритмичности, чередования горизонталей и вертикалей. В работах художников периода раннего Возрождения можно увидеть приемы противопоставления персонажей на основе контраста (например, «Поцелуй Иуды» Джотто). Огромную роль в формирование композиционных законов внес Леонардо да Винчи, введя в практику понятия линейной и воздушной перспективы. В этот период художники впервые стали передавать статику и динамику, размещать ближние и дальние объекты так, как их воспринимает человеческий глаз.

В картинах художников, работавших в эпоху Барокко, появляется еще больше динамизма, для персонажей характерно сложное движение, из-за которого композиция теряет «устойчивость». Барочная живопись изобилует темными цветами, а освещенные предметы не имеют строгих очертаний, как в ренессансе. Для построения композиционных структур используются приемы восходящей и нисходящей диагонали, движение по спирали и усложненные ракурсы, в частности, перевернутые фигуры и нарочито большие по отношению к размеру холста фигуры.

Структурная основа художественных произведений классицизма характеризуется простотой и сдержанностью цветовой гаммы. На все виды искусства того времени, в том числе и на композиционные построения в живописи, большое влияние оказывает театр. Принцип организации художественного произведения в классицизме напоминает макет сцены, когда главные герои располагаются на втором плане, а первый и дальний виды служат для отображения второстепенных объектов. Распространенными композиционными построениями являются «треугольник», «квадрат» и «прямоугольник».

В эпоху Романтизма и Реализма по композиции создаются учебные пособия, она вводится в образовательную программу как отдельная дисциплина. Ориентируясь на суммарный опыт прошлых периодов, художники уделяют большое внимание принципам и приемам: обобщения, «осевых линий», уравновешивания тонов и пятен, характера формата. В эпоху романтизма и реализма при создании художественных произведений применяются законы начертательной геометрии и теории теней.

Приход импрессионизма, модернизма и авангардизма приводит к утрате композиционной целостности. Художники оставляют за собой право экспериментировать и писать картины на основе теории цвета, собственного видения мира и формальных композиционных решений. На смену классическо-академической композиции приходят абстрактные композиционные структуры.

Правила построения композиции

Существует 2 вида композиционных структур – статичная и динамичная. Первая передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, вторая показывает движение, включая эмоции и стихии.

Принцип создания статики и динамики основывается на отклонении угла объекта от вертикали и горизонтали. Чем больше в предметах вертикальных и горизонталей линий, тем статичней композиция, и наоборот. Статика и динамика проявляется также в симметричном и ассиметричном расположении объектов по отношению друг к другу.

Что такое композиционный центр и как его выделять

Одной из основных задач художника является определение композиционного центра – главного объекта произведения, на который должен быть устремлен взор наблюдателя. Существует несколько способов, позволяющих строить композицию таким образом, чтобы зритель в первую очередь обратил внимание на ту или иную часть картины:

Главный объект произведения чаще всего изображается самым большим, потому что крупные элементы привлекают внимание сразу, и только потом зритель переходит к рассмотрению мелких. Исключением являются изображения, где все предметы большие и лишь маленький. Он обычно расположен на переднем плане и играет роль своеобразного «крючка», заставляющего зрительно обращаться к нему снова и снова.

Используя многоплановость, художник может создать глубину пространства, выдвинув композиционный центр на передний план, а другие объекты разместить на заднем или наоборот. При этом следует учитывать, что главный элемент должен быть единственным в пространственной плоскости. Для обозначения композиционного центра также используют метод направляющих, в качестве которых выступают объекты картины. Достигается это различными способами, например указанием динамики движения вспомогательных предметов к основному или обращение взоров второстепенных персонажей к главному.

Контрастный композиционный центр в свою очередь базируется на разнице между темным и светлым тонами. Другими словами, главный объект композиции должен быть либо сильно темнее, либо значительно светлее второстепенных. При использовании этого приема следует учитывать, что темная заливка визуально уменьшает, а светлая – увеличивает предмет. А в этом видео на примере ведения работы по технологии оптических просветов показано, к чему может привести нарушение правил построения композиции. Что получается, когда композиционный центр «проваливается» и хаотически перемешивается с второстепенными объектами.

Правила построения композиции

Теперь, когда вы знаете, как создается статика и динамика, и какими способами можно привлечь внимание к главному объекту картины, можно поговорить о правилах гармоничной композиции.

Правило «золотого сечения»

«Золотое сечение» – это разновидность геометрической пропорции, когда отношение целого к большей части равняется отношению большей части к меньшей в соотношении 0,618 к 0,382 или 62% и 38%. Существует 2 способа построения структуры будущей композиции – спиралевидный (логарифмический) и диагональный.

Логарифмическое «золотое сечение» получило такое название из-за последовательности «вложенных» друг в друга прямоугольников, стороны которых относятся друг к другу как 0,618 к 0,382. Для создания композиции строить прямоугольники не обязательно, достаточно карандашом прорисовать спираль, на которой будут располагаться объекты по убыванию размеров – в начале спирали самые большие, в конце – самые маленькие.

Диагональное «золотое сечение» чаще всего используется для размещения разнотипных объектов. Для создания композиционной оболочки необходимо нарисовать прямоугольник и провести диагональ. Затем к диагонали из вершины геометрической фигуры прочертить перпендикуляр, разбивающий ее на отрезки в соотношении 62% и 38%. Получатся 3 треугольника разных размеров, в которых будут располагаться значимые объекты будущей композиции.

Правило третей

Является упрощенной версией «золотого сечения» и заключается в разбиении плоскости на 9 равных прямоугольников. Если в композиционный центр входит один объект, то его (объект) следует расположить в центральном прямоугольнике ближе к одной из вертикальных сторон. Если значимых элементов несколько, они размещаются в вершинах прямоугольников, а линия горизонта обычно располагается на одной из горизонтальных линий. Правило третей подходит как для создания симметричной, так и ассиметричной композиции.

Как правильно строить композицию и вести работу «от пятна». Почему следует отказаться от штриховки в рисунке и каким образом создается воздушная перспектива. Как сделать изображение объемным и добиться тонкой игры полутонов. При каких условиях гармоничные оттенки рождались сами собой, и за счет чего в картине возникает внутреннее свечение. Эти и многие другие нюансы технологии оптических просветов, основанной на технике Старых мастеров, вы узнаете из книги, скачать которую можно по этой ссылке.

Источник