Что такое компоновка в рисунке
Нюансы компоновки: чего следует избегать?
Компоновка — это размещение элементов композиции в формате. Другими словами — распределение предметов в листе. Она зависит от композиционной схемы, творческой задумки художника. Но есть такие комбинации или сочетания, которые вызывают неприятные ощущения при зрительном восприятии рисунка. Я решил сделать подборку этих нежелательных композиционных решений, чтобы начинющие художники могли наглядно увидеть, чего следует избегать. Рассмотрим шесть таких вариантов компоновки в станковой композиции.
Расположение головы в портрете ровно по центру листа
Если в портрете изображается голова человека в три четверти или в профиль, то будет более выразительно, если располагать её не посередине листа. Со стороны лица лучше оставлять чуть больше пространства, чем со стороны затылка. Тут, конечно, нельзя устанавливать правило. Бывают такие композиционные решения, когда нужно сделать всё наоборот. Однако, чаще всего в классическом портрете с изображением одной фигуры оставляют больше пространства с той стороны, куда повёрнуто лицо. Это объясняется тем, что, психологически, человеческий взгляд не может упираться в стену, он должен куда-то устремляться. Поэтому та сторона рисунка в которую направлен взгляд, должна быть больше.
Зрительное совпадение элементов композиции несовместимых по смыслу
Для иллюстрации этой проблемы я нарисовал человека, смотрящего в бинокль, а также прохожих на улице. Человек стоит на балконе и устремляет взгляд куда-то вдаль. Между ним и людьми на тротуаре приличное расстояние. Но если нарисовать их таким образом, что бинокль будет касаться силуэтов людей, то это создаст ощущение, будто бинокль «упирается» в прохожих. Это всего лишь иллюзия и мы понимаем, что их разделяет пространство. Однако, ощущение нелогичности остаётся.
Один предмет ровно под другим
Представьте, что Вы рисуете натюрморт с натуры. Предметы в нём расставлены ритмично и интересно. Однако, Вам досталось такое место, откуда открывается не самый лучший вид. Например крынка и плашка расположились ровно друг под другом. Этот ракурс вполне реален, но некрасив. Что же делать? В таких исключительных случаях можно не следовать натуре на сто процентов, а чуть сместить один предмет относительно другого. Когда предметы выстраиваются в ряд, композиция лишается ритма. Поэтому такую компоновку лучше избегать.
Когда контуры предметов касаются друг друга
Ещё один пример неприятной для глаза компоновки — это когда контуры предметов касаются друг друга. Намного лучше, если один предмет чуть закроет другой. Или же можно нарисовать их на некотором расстоянии друг от друга.
Расположение главного объекта композиции строго в центре листа
Следующий пример — это когда композиция симметричная и в ней присутствует только один объект, расположенный по центру. Дело в том, что существует понятие геометрического центра и оптического. В первом случае центр находится на пересечении диагоналей листа. Во втором — чуть выше. Это объясняется тем, что визуально, геометрический центр кажется ниже и его хочется чуть приподнять. Поэтому, если мы что-то рисуем в центре листа, этот предмет следует изображать чуть выше буквального центра. То есть, мы как бы создаём некий пьедестал под предмет. Это иллюзия, которая делает композицию цельной и уравновешенной.
Когда элемент рисунка касается края листа
В композиции есть как главные элементы, так и второстепенные. У каждого из них своя роль и соответствующее расположение. В зависимости от творческого замысла, какие-то из них художник может увести за края листа (холста). То есть часть предмета уходит за край, а другая его часть остаётся в поле видимости. Такой приём вполне допустим. Но когда предмет расположен на краю рисунка таким образом, что его край совпадает с краем листа, то это выглядит некрасиво, создавая ощущение тесноты, смещения композиции, её неуравновешенности (как будто предмет прилип к краям). К тому же, в классике художники оставляют по краям листа пустое пространство для того, чтобы взгляд зрителя «входил» в картину, будто в тоннель. Поэтому лучше, либо оставлять расстояние от изображаемых объектов до края листа, либо частично уводить их за пределы рисунка (если это оправдано с точки зрения творческого замысла).
Правила композиции в рисунке: кратко, самое главное
Приветствую! Подарили мне тут скетч-бук, и так сразу захотелось порисовать. И я подумала, что рисовать хотят многие, а умеют единицы, и в моих силах немного уравнять две эти группы. Начинать ведь следует с начала, так что и начнем мы с композиции.
Ведь она — основа любого искусства: рисунок, архитектура, скульптура… Давайте сегодня раз в навсегда усвоим правила композиции в рисунке, а как правильно рисовать, посмотрим попозже.
Что такое композиция
Какие же правила без понимания, что мы вообще хотим поправить? Когда мы смотрим на любую картинку, то наш взгляд за что-то цепляется, да и вообще на картине, как правило, что-то изображено. Даже в картине моря есть кораблики или привлекающие внимание гребни волн. А в картинах неба – выделяющиеся облака.
Общие правила расположения объектов
Я вам сейчас дам сухую теорию, которую вывели умные люди и совершенно не знали художники. Почему не знали? Потому что все правила в искусстве – законы природы. Но некоторые люди их видят и становятся великими художниками, а некоторые – нет. Сейчас можно научиться, а не рассчитывать на природные таланты.
Правило третей
Это самое легкое, что можно придумать. Если вы фотографируете, то и сами знаете это правило, ну или интуитивно видите, на каких фотках оно нарушается.
В рисунке все тоже самое. Лист делится на 9 частей, две линии по горизонтали и две по вертикали. Ели на картинке будет один объект, то его лучше располагать на линиях или в центральном секторе. Если несколько – на линиях. Горизонт, как правило, располагается на нижней горизонтальной линии.
Естественно, многие нарушают это правило. Но, чтобы идти против правил, нужно как минимум эти правила знать, как максимум иметь хорошее природное чувство гармонии.
Золотое сечение
Вариант для продвинутых. Но на самом деле он более интуитивно понятен, хотя и его и сложнее выучить. Мы представляем, что на любой прямой объекты должны находится на расстоянии 38 частей от одного края листа и 62 – от другого. Чтобы получить красивую улиточку, нужно лист делить в данном соотношении, пока не закончится место. Смотрите:
Золотое сечение само по себе – идеальная природная пропорция. На самом деле большая часть природных объектов соответствует этой рассчитанной пропорции. Это деревья, раковины моллюсков, волны… возьмите свои фотографии и в половине вы найдете эту улиточку.
В рисунке придерживайтесь расположения объектов по улитке, это очень прокачает ваше чувство прекрасного и гармонии. Кажется сложным, но глаз быстро привыкает, ведь это заложено самой природой.
Треугольники
Это вариант золотого сечения, но он проще и понятнее. Вы мысленно или физически делите лист на треугольники, из углов идут перпендикуляры.
Далее у вас в картине должно быть три акцента и каждый вы располагаете в пределах соответствующего треугольника. Такие картины будут смотреться гармонично, а от вас не будет требоваться ни расчетов, ни чертежей.
Это основные правила композиции, то есть расположения объектов на листе. Классно работают, если у вас от 1 до 3 акцентов в картине.
Центр композиции
Что такое центр? Естественно, это тот предмет, которые мы выделяем на фоне других предметов. В рисунке его легче выделить, чем в фотографии.
Размер
Выделяется ли слон в посудной лавке? По-моему, да.
Ничего не придумали? Противопоставьте цвет, сделайте объект ярче или бледнее, его заметят.
Линии
Зачем думать, если можно показать, где главное лицо линиями? Это много, где используется в классических картинах, но для непрофессионала неочевидно.
Может ли центров быть несколько? Да легко! Самый простой пример здание без крыши с открытой дверью. Выделяется голубое небо и свет в дверном проеме. Вот вам и два центра.
Перегружена ли картина?
Некоторые картины кажутся симметричными, а некоторые вызывают удивление. Как полотно еще не накренилось? Это больше касается картин, где изображено большое количество объектов. Самый простой пример – натюрморт или баталии.
Самый банальный способ уравновесить вашу картину – расположить объекты треугольников. Один центральный и равномерно вокруг более мелкие объекты. Помните, что излишняя симметрия делает картину скучной.
Второй вариант хорошо работает в цветах. Расположите все объекты по кругу. Такая картина точно будет симметричной, особенно если вы не будете искусственно что-то выделять.
Диагональ или линия. Вот здесь хочется что-то положить на другой край картины, она выглядит несимметричной. Такая композиция тоже много где используется, но художники уравновешивают ее другими способами, а для новичков не рекомендую.
Если вы только начинаете рисовать, то старайтесь уравновешивать картину, при этом избегая излишней симметрии. И не забывайте про акценты.
Размеры
Вы решили нарисовать несколько объектов, какие же выбрать? Например, для натюрморта может сгодиться любой продукт из холодильника, какое разнообразие выбора! Общая рекомендация – не брать продукты одного размера. Если вы берете три объекта, то это может быть капуста, яблоко и клубника, то есть по убывающей размера.
Обратите внимание! Если объекты можно пересчитать беглым взглядом, то их лучше рисовать нечетное количество. Рисуете природу? Выбирайте ракурс с деревьями разного размера, особенно если они служат акцентами. У вас одно дерево?
А вот «поставьте» в противоположный угол людей, телегу, стаю ворон – да что угодно, что уравновесит картину. Это про пункт с расположением предметов, конечно, а тут я пишу, чтобы показать, что второе дерево может и вовсе быть не нужным.
Динамика или статика?
Композиция бывает статичная и динамичная. Художник запечатлевает момент, а мгновение может быть и паузой в движении, не правда ли? Как же передать, что стакан сейчас упадет, а собака на самом деле бежит?
Есть инструменты! Прежде всего, поза. Ну правда, если животное стоит столбом, то какое тут движение? А на восприятие зрителя мы влияем направляющими линиями. В нашем мозгу то, что расположено по горизонтали более подвижно, чем горизонтальные объекты. Так что стоящую чашку – перпендикулярно горизонту, а падающую – под острым углом к горизонту.
Горизонталь или вертикаль?
И еще кусочек. Разные композиции вызывают в зрителе разные эмоции. Ваша картина может быть как бы приплюснутой, горизонтальной. Это вызывает чувство спокойствия, уюта, неизменности.
Вертикаль, например, готический собор, навевает мысли об устремлении вверх, преодолении трудностей, стремлении к идеалам. Диагональ добавляет движение, как дорога уходящая вдаль. И есть ломаные, непрямые линии.
Природа всегда плавная, вы не найдете веточку, которая бы росла под прямым углом, или изломанную линию роста деревьев. Нет, только плавные, закругленные линии. Если же рисуете не природу, а, например, битву или городской пейзаж, то изломов не избежать. Ломаные линии дают картине жизнь, движение.
Перспектива и другие художественные тонкости
Не забывайте, пожалуйста, про восприятие объема и картины в целом. Правильно передавайте перспективу, то есть отношение объектов на разном отдалении от зрителя. Помните, что стоящий человек закрывает головой горизонт, имеет живую позу и скорее всего идет наискосок, а не вдоль линии горизонта.
Но детально это все мы рассмотрим в других статьях. А вы сейчас постарайтесь передать картинку такой, какой вы ее видите. Я бы рекомендовала на начальных этапах делать фотографию и уже с нее рисовать. Так вы увидите правильное расположение ваших предметов на плоскости.
Но и модель убирать не стоит, ведь что-то лучше видно в объеме! Постарайтесь рисовать при естественном или хорошем искусственном освещении, чтобы вы видели правильные цвета ваших моделей.
На этом все
И на сегодня все, сходите в музей, чтобы еще раз увидеть все варианты композиций и приступайте к работе. Напишите, какие еще темы интересны в отношении изобразительного искусства. Полезна ли была эта статья для рисунка и для фотографии?
С вами была Алла, счастливая обладательница скетч-бука и пары классов художественной школы. Что из этого выйдет?
Компоновка в листе.
Конечно, не всё шло гладко, тем более, что при обучении рисованию фигуры человека, нужно было изображать самые разнообразные позы и движения, а это увлекало настолько, что во время тщательной прорисовки, например пальцев или отдельных мышц, оказывалось, что места для них в листе не хватает, и нужно доклеивать ещё один кусок бумаги с краю, чтобы спасти ситуацию.
Однажды дело даже дошло до того, что одна моя однокурсница принесла нарисованного в прыжке человека с растопыренными в разные стороны руками и ногами на листе, собранном из 5 отдельных кусков. Просто какой-то доктор Франкенштейн, а не художник, получается! А бывало и наоборот; приходилось подрезать лист, чтобы изображение в нём выглядело достойно, было оптимальным по соотношению с размером формата и его конфигурацией (квадрат, вертикальный или горизонтальный формат). Узнаёте себя, дорогие начинающие художники? Только не всегда эти методы работают: холст ведь не нарастишь и не обрежешь. Так что же делать?
Недаром, компоновке учат с самых первых занятий в художественной школе. Даже если мы изображаем плоский орнамент во весь лист, обязательно отступаем 2-3 см от его краёв (снизу немного побольше), чтобы не попасть в энергетические поля и точки формата. Это углы, узкие поля вдоль краёв и геометрический центр. Если нет задачи подчеркнуть статичность и геометричность изображения, лучше в них ничего не располагать. Например, можно поступить вот так, сместив изображение чуть в сторону.
Иногда художники специально располагают отдельные элементы изображения в этих местах, чтобы усилить воздействие картины на зрителя, подчеркнув глубину взгляда, например.
Или, чтобы усилить движение внутри картины и вывести его за пределы формата. Но это, повторю ещё раз, особые случаи в творчестве художников, которые не имеют отношения к самому процессу обучения рисованию.
В учебной постановке эти приёмы только мешают и сбивают с толку, поэтому знать о них надо, но применять не торопитесь. Есть несколько способов продумать компоновку элементов в листе при работе с натуры.
СПОСОБЫ КОМПОНОВКИ
1) Небольшой эскиз.
Прежде, чем браться за внушительный формат, и поскорее отстраивать все необходимые части модели, удобнее всего поэкспериментировать с компоновкой на отдельном небольшом листе (до А5 формата). В маленьком формате можно быстро и точно раскидать основные пятна, тональные и цветовые, и структурные линии, осмыслить движение масс света и тени и соотношение предметов друг с другом, опустив детали. Если это необходимо, можно изменить конфигурацию формата в эскизе и, в соответствии с ним, подготовить похожий формат для основной работы. Иногда такой эскиз выполняют прямо на рабочем формате в верхнем правом углу.
2) Использовать “беглые” линии.
Чтобы случайно не наделать ошибок в компоновке, удобно, для построения отдельных форм объектов, наметить условными, близкими к геометрическим, формами расположение основных массивов в рисунке и их размер. Линии должны быть очень лёгкие, скользящие по большому массиву предметов. Далее, при тщательном построении, они вытрутся ластиком, но предметы и объекты уже точно распределятся по своим местам.
3) Построение от основного предмета.
4) Если формат откорректировать нельзя
Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее…
2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.
3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂
КОМПОЗИЦИЯ.
В изобразительном искусстве композиция отвечает за грамотное распределение элементов (фигур, предметов, пятен, объёмов, цветов, света и тени, деталей, направлений и т. д.) в плоскости картины. Это своеобразный “скелет” произведения, выявляющий его образный смысл. При помощи композиции произведение изобразительного искусства приобретает цельность, законченность, взаимосвязь всех элементов и подчинение всего этого основной идее картины.
В отличие от рисования с натуры, занятия композицией позволяют художнику сконцентрироваться на главных, важных характеристиках предметов и их художественных образах, отказавшись от случайных, незначительных деталей и частей.
Работа художника над композицией обширна и включает в себя несколько последовательных этапов:
1) поиск темы произведения;
2) определение идеи картины;
3) выбор сюжета;
4) подбор формата картины, размера листа или холста и техники исполнения;
5) создание структуры линий и пятен будущего произведения;
6) поиск наиболее выразительных и характерных поз персонажей, их характеров и расположения друг по отношению к другу;
7) определение изобразительного языка и стилизации;
8) доработка равновесия цветовых и тональных пятен в картине, ритм элементов;
9) усиление смыслового и композиционного центров;
10) характер и количество деталей и т. д.
4 основных закона композиции:
Правила композиции:
5). Расположение главного на втором плане.
Приёмы композиции:
+ вертикали и горизонтали;
+ контраста:
+ диагоналей (для передачи движения);
+ статики-динамики;
+ равновесия частей;
+ “золотого” сечения;
+ передачи пространства;
+ передачи впечатления монументальности и т.д.
В разные периоды композиция выявляла и отображала общепринятые нормы изображения художниками предметного мира. Подчинение канону сменялось отказом от структурных схем в пользу свободных композиционных приёмов. Всё это свойственно духу эпохи и индивидуальному авторскому вкусу.
1). Композиция в первобытном искусстве практически отсутствует. Изображения животных и человеческих фигур располагаются неосознанно, хаотично на поверхности стены, накладываясь друг на друга или располагаясь на расстоянии. Редки изображения продуманных сюжетных сцен, объединяющих по смыслу фигуры людей и животных в группы.
2). Композиция в искусстве Древнего Востока.
3). Композиция в Древнем Египте.
Подчинение элементов фрески или рельефа определённому порядку, канон в изображении человеческой фигуры задают фризовый характер композиции. А возрастная и социальная субординация помогают выявить композиционный центр и отделить его от периферии. Древнеегипетские художники открывают такие приёмы композиции как ритм (форм, цветов, масс), симметрия, пропорциональность частей друг другу и подчинение второстепенного главному.
4). Композиция в Древней Греции.
Приёмы симметрии, выработанные древнеегипетскими мастерами, древние греки дополнили и обогатили (постепенное нарастание движения от краёв к центру композиции, завершающееся величественной статичность в фронтонах древнегреческих храмов, например, западный фронтон храма Зевса в Олимпии).
Появляется приём выявления центра композиции (сюжетно-композиционного центра) при помощи ярких цветовых пятен.
5). Композиция в эпоху Средневековья.
Художники отказываются от развития композиции в глубину, но вместо трёхмерности появляется орнаментика, декоративность. Композиции средневековых мастеров строятся по принципу ритма, симметрии, декоративности, распределении плоскостных элементов (фигур людей, зверей, святых и фантастических персонажей) в плоскости листа или стены. Линейно-плоскостное начало в рисунке фигур доминирует над объёмным пятном. Часто художники Средневековья объединяют в один сюжет разновременные события и разномасштабные фигуры (величина и массивность персонажей определяется чёткой церковной иерархией). Это достигается при помощи ритмизации элементов композиции, использования принципов симметрии, асимметрии, диссимметрии, декоративной орнаментальности.
6). Композиция в эпоху Возрождения.
Термин Композиция появился в эпоху Возрождения, когда художники, создавая произведение искусства, стремились выразить в нём свою идею и донести её до зрителя за счёт единства рисунка, колорита и сюжетной основы. Жанр произведения и его стилистика, в этом случае, значения не имели, т.к. композицией называли само законченное произведение искусства. С этого периода художники стали разрабатывать и сохранять наиболее удачные схемы композиций, на которые накладывали сюжетное изображение.
Появляются первые теоретические исследования композиции и записи размышлений художников (Джотто, братья ван Эйки, Мазаччо, Гирландайо).
В картины и фрески художников возвращается трёхмерность, поэтому для изображения глубины пространства используются приёмы трёхъярусного расположения пейзажа (Джотто), принцип вертикалей и горизонталей (Джотто), ритмичность чередования масс (Мазаччо). Для раннего Возрождения характерен приём контрастного противопоставления персонажей (“Поцелуй Иуды” Джотто).
2. Азы композиции. Азы колористики
Цель сегодняшнего занятия: Изучить основные законы композиции и цветоведения.
Основы композиции
Композиция
Любой рисунок начинается с композиционного размещения изображений на листе бумаги. От того, как скомпоновано то или иное изображение, во многом зависит общее впечатление от рисунка.
Одним из главных требований в учебном рисунке является умение правильно размещать изображения предметов на листе бумаги.
Композиция в переводе с латинского означает «составлять, сочинять». Компоновка — составлять целое из частей. Композиция как термин имеет двоякое смысловое значение. В учебном рисунке слово «композиция» означает выполнение элементарных начальных упражнений. В художественном творчестве оно имеет более широкое смысловое значение. Разделение понятий «композиция» и «компоновка» носит весьма условный характер, так как одно незаметно переходит в другое, сливаясь в процессе работы над рисунком. Термин «композиция» употребляется в различных сферах и областях искусства: в кино, музыке, театральных постановках, балете, литературе, различных видах изобразительного искусства и в архитектуре. В творческом понимании «композиция» — это общий художественный замысел, структура произведения искусства, наиболее полно выражающая его идею. В учебном рисунке — это правильный выбор размера и расположения предмета в пределах заданного формата.
Благодаря существующему природному таинству, человеческому глазу присуще видеть и воспринимать окружающий нас мир в пропорциях и соразмерностях, т.е. сама природа позаботилась, положила в основу нашего зрения великолепные качества, позволяющие определять прекрасные пропорции. Выразительные композиции — это наличие гармоничности, т.е. такого качества художественных произведений, при котором глаз не ощущает несоответствия размеров частей и целого, а сочетания цветов не раздражают глаз. Гармония обязывает рисующего компоновать изображенные предметы и их части так, чтобы ни одна часть не казалась чужеродной или несоразмерной. Вот что писал о гармонии выдающийся теоретик Возрождения Леон Баттиста Альберти: «Есть нечто большее, слагающееся из сочетания и связи этих трех вещей (числа, ограничения и размещения) нечто, чем чудесно озаряет весь лик красоты. Ведь назначение и цель гармонии — упорядочить части, вообще говоря, различные по природе, неким совершенным соотношением так, чтобы они одна другой соответствовали, создавая красоту… И нет у природы большей заботы, чем та, чтобы произведенное ею было вполне совершенным. Этого нельзя никак достичь без гармонии, ибо без нее распадается внешнее согласие частей». Из слов Альберти понятно, что основа прекрасного — это гармония. Благодаря чутью художниками и архитекторами создаются гармоничные художественные произведения, предметы и вещи.
В работе над композицией нужно научиться композиционному видению. Такое видение можно развить следующим образом. К примеру, рассматривать с балкона многочисленные частные строения внизу, сравнивая с ними заинтересовавший вас объект. В данном случае главный объект вашего интереса находится в центре вашего внимания, а окружение служит для определения объекта и его места в этом окружении. Посредством такого зрительного восприятия окружающей среды можно развивать композиционное видение.Подобные упражнения можно проделывать дома, на улице, в транспорте, на работе, словом — везде.