Брасс ансамбль что это
Новости
Дмитрий Воронцов: «В брасс-ансамбле мастерство каждого исполнителя выходит на качественно новый уровень»
Пандемия внесла коррективы в жизнь многих творческих коллективов. В первую очередь, это коснулось оркестров. Теперь достаточно трудно выступать полным составом, а зрительный зал, судя по всему, еще долго не заполнится до аншлагов. В такой непростой период Санкт-Петербургский государственный академический симфонический оркестр придумал выход – создание Брасс-ансамбля под руководством заслуженного артиста России, солиста Мариинского театра Дмитрия Воронцова.
Брасс-ансамбли, состоящие из исполнителей на медных духовых инструментах, имеют давнюю историю. В переводе с английского слово «brass» означает «латунь», это особый сплав, из которого делают многие медные духовые. Первые произведения для духового ансамбля создавались еще в эпоху Возрождения, к числу предшественников брасса можно отнести и британские духовые оркестры, и традиционную музыку Балкан, и новоорлеанский джаз. Расцвет медных духовых в академической музыке начался в XIX столетии, в музыке Бетховена, Берлиоза, Вагнера. А в последние десятилетия брасс завоевал позиции самостоятельного музыкального жанра, стремительно набирающего популярность в мировой концертной практике. Первыми ласточками стали брасс-ансамбли Чикагского симфонического и Нью-Йоркского филармонического оркестров, сейчас всемирной известностью пользуются ансамбль Phil Blech Vienna оркестра Венской филармонии, «Лондон-Брасс», брасс-ансамбли Большого и Мариинского театров и многие другие коллективы. Репертуар брасс-ансамблей складывается из произведений, специально написанных для этого состава, и обработок (каверов) известных музыкальных номеров, от барокко до современности, обретающих новое звучание в тембре медных духовых. Концерты брасс-ансамблей становятся настоящими праздниками музыки: ведь на медных духовых можно играть все что угодно – от классики и военных маршей до саундтреков, латины и техно.
С Дмитрием Воронцовым беседует корреспондент «Музыкального Клонлайка» Антон Урбан.
— Создание ансамбля было вызвано только лишь пандемией или этот коллектив задумывался давно?
— Год назад директор оркестра Елена Анисимова предложила мне провести несколько репетиций с исполнителями на медных духовых инструментах, поскольку была наслышана о том, что за время моей работы в Южной Корее мне удалось поднять уровень медной группы оркестра на качественно другой уровень. Действительно, я имею большой опыт педагогической работы, в том числе с брасс-ансамблями, и мне это предложение показалось интересным. Уже после первых репетиций стало ясно, что уровень музыкантов СПб ГАСО достаточно высок. И пришла мысль о создании отдельного брасс-ансамбля из музыкантов этого оркестра, тем более что этот жанр достаточно слабо популяризирован в нашей стране, в отличие от многих стран Европы и Америки. При этом русская музыкальная культура имеет больше количество произведений, созданных отечественными композиторами высочайшего художественного уровня. Достаточно упомянуть фамилии Н А Римского-Корсакова, Н. Черепнина, Ф. Гомилиуса, О. Облова.
А собственно пандемия лишь показала правильность подобного начинания, когда не всегда возможно репетировать или играть концерты полным составом оркестра. При этом индивидуальное мастерство каждого исполнителя выходит на качественно новый уровень, что, в свою очередь, благоприятно отражается на звучании группы медных духовых инструментов в оркестре.
— Сколько медных духовых инструментов представлено в новом ансамбле?
— В нашем первом концерте приняли участие несколько самостоятельных ансамблей, состоящих из основных инструментов медной группы симфонического оркестра: валторна, труба, тромбон и туба.
— Лично для вас это стало важным событием?
— Более 25 лет назад в оркестре Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева мы создали брасс-квинтет, и с этого началась история развития брасс-ансамблей внутри театра при полной поддержке маэстро. Например, концерт квартета валторн в Германии прошёл с огромным успехом и вызвал большой общественный резонанс в музыкальном мире. Концерты состоялись во многих странах мира и городах России, а брасс-квинтет театра сделал много аудиозаписей и со временем превратился в ансамбль, так называемую брасс-десятку, концерты которого регулярно проходят в Мариинском театре. Работа с музыкантами оркестра СПб ГАСО стала органичным продолжением всей моей творческой деятельности.
— Помимо того, что вы солист оркестра Мариинского театра, доцент Санкт-Петербургской консерватории, вы будете руководить новым коллективом. Как думаете, получится ли успеть везде?
— Какие планы у Брасс-ансамбля на будущее, после открытия концертного сезона СПб ГАСО, которое состоялось 27 сентября во Дворце Белосельских-Белозерских?
Беседовал Антон УРБАН
Брасс ансамбль что это
Владислав Лаврик — одаренный музыкант, который по праву считается одним из лучших трубачей России.
Учился у Т. Докшицера, В. Марголина, А. Паутова. В 2000 году, после окончания II курса Московской консерватории, В. Лаврик был приглашен в Российский национальный оркестр. В следующем году, в возрасте 20 лет, он занял место концертмейстера группы труб оркестра, став самым молодым музыкантом в истории коллектива, назначенным на эту должность.
Как солист В. Лаврик выступал на лучших сценах мира: в Большом и Малом залах Московской консерватории, Концертном зале имени П. И. Чайковского, Концертном зале Мариинского театра, Консертгебау в Амстердаме, зале Плейель в Париже, Дворце изящных искусств в Брюсселе, Муниципальном театре Рио-де-Жанейро и других. Его концерты проходили во многих странах Европы (Франция, Италия, Германия, Нидерланды, Великобритания), в США, Канаде, Бразилии, Уругвае, ОАЭ, Северной и Южной Корее и других.
С 2009 года Владислав начал заниматься дирижированием и в настоящее время обучается по этой специальности в Российской академии музыки имени Гнесиных в классе В. Федосеева. Также занимался у В. Юровского, М. Элдера, Т. Курентзиса, А. Рейна.
Как дирижер В. Лаврик дебютировал с Российским национальным оркестром в 2010 году, сейчас является дирижером-ассистентом оркестра. Также он работал с другими ведущими коллективами России: Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия», Государственным академическим симфоническим оркестром России имени Е. Ф. Светланова, Симфоническим оркестром Министерства обороны РФ, Московским камерным оркестром Musica Viva и другими. Дирижировал на фестивалях «Возвращение», Brass Days, Большой фестиваль РНО, на Международном музыкальном проекте «Российские музы миру». В 2011 году продирижировал сочинением Ч. Айвза в концерте Т. Курентзиса.
Владислав является основателем и художественным руководителем международного музыкального фестиваля медного духового искусства Brass Days, на котором выступали многие мировые звезды. Активно участвует в музыкальных проектах для детей (в том числе как дирижер детских концертов с участием известных российских актеров) и акциях помощи детям-инвалидам в России и за рубежом. В 2013 году Владислав участвовал в качестве дирижера и солиста в постановках музыкального спектакля «Коты Эрмитажа» на музыку К. Брубека, которые прошли в Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в театре музея Эрмитаж в Санкт-Петербурге.
Евгений Гурьев родился в 1983 году в Белгородской области. Учился в Харьковской средней специальной музыкальной школе (класс Н. А. Кулака), Государственном музыкальном училище имени Гнесиных (класс профессора В. А. Докшицера) и Российской академии музыки имени Гнесиных (класс профессора В. М. Прокопова).
Евгений Гурьев стал победителем ряда международных конкурсов: Международного фестиваля-конкурса трубачей имени Тимофея Докшицера (2000), Первого Международного конкурса музыкантов исполнителей на духовых инструментах имени Н. Римского–Корсакова (Санкт–Петербург, 2005), Первого Международного конкурса музыкантов-исполнителей на медных духовых инструментах имени Тимофея Докшицера (Москва, 2009).
С 2002 года играет в оркестре Государственного академического Большого театра России, с 2006 года — солист оркестра.
Принимал участие в концертах в рамках фестиваля «Дни культуры России» во Вьетнаме, Армении и Италии. Выступает с сольными концертами и дает мастер-классы в городах России и за рубежом.
С 2009 года преподает в Российской академии музыки имени Гнесиных и колледже имени Гнесиных.
Станислав Давыдов родился в 1978 году в Наро-Фоминске. Окончил Центральную среднюю специальную музыкальную школу и Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского (класс профессора А. С. Демина).
Работал солистом в Государственной академической симфонической капелле России под управлением В. Полянского, Государственном академическом симфоническом оркестре России имени Е. Ф. Светланова, Государственном академическом камерном оркестре России, оркестре Московского музыкального театра «Геликон-Опера».
С 2004 года — концертмейстер группы валторн Национального филармонического оркестра России под управлением В. Спивакова. C 2009 года — солист оркестра Московского академического музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко.
Станислав Давыдов имеет большой опыт работы в ансамблях духовых инструментов. В 1998-2002 годах он являлся членом Брасс-квинтета имени Т. Докшицера, в составе которого выступил с более чем 300 концертами в России и за рубежом, записал три компакт-диска. В 2000-2002 годах играл в составе Русского квартета валторн.
Является постоянным участником фестивалей в Москве («Владимир Спиваков приглашает…», «Арт-ноябрь», «Возвращение», «Московская осень»), Тарусе (фестиваль фонда Святослава Рихтера «Таруса зимняя»), Кольмаре (Франция).
Музыкант обладает обширным репертуаром и ведет активную концертную деятельность как солист и ансамблист. Выступает со многими московскими оркестрами, ансамблем солистов «Студия новой музыки».
Станислав Давыдов — лауреат Международного конкурса «Брасс-игры» в Ульяновске (2001) как солист и ансамблист (в составе Брасс-квинтета имени Т. Докшицера), победитель Первого международного конкурса имени Н. Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 2005). Награжден серебряной медалью «За веру и добро» (2006) от губернатора Кемеровской области А. Тулеева. В 2009 году удостоен звания «Заслуженный артист России».
Игорь Баканов — один из ведущих российских исполнителей на медных духовых инструментах. Является лауреатом многих конкурсов, в том числе Всесоюзного конкурса ансамблей в Харькове (Первая премия) и Международного конкурса в Нижнем Новгороде (IIпремия).
В 1996 года Игорь Баканов выступал в Российском национальном оркестре, а также в составе Брасс-квинтета Российского национального оркестра.
С 2004 года Игорь Баканов — артист Национального филармонического оркестра России под управлением В. Спивакова и солист Брасс-квинтета Национального филармонического оркестра.
Музыкант совмещает исполнительскую деятельность с преподавательской: является педагогом в Центральной музыкальной школе, проводит большое количество мастер-классов во многих городах России.
Павел Умяров родился в 1972 году в Москве. Учился в ДМШ № 64 по классу гитары и тубы, затем в Государственном музыкальном училище имени Гнесиных по классу тубы у А. П. Казаченкова и Российской академии музыки имени Гнесиных по классу тубы у В. Н. Досадина. Лауреат Международного конкурса имени Н. Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 2000, Первая премия).
В 2000 году принимал участие в Конференции Международной ассоциации тубистов (ITEC) в Канаде, где выступал с сольной программой, а также посещал мастер-классы ведущих профессоров-тубистов Европы и Америки. В 2011 году участвовал в Немецком форуме тубистов в Хаммельбурге (Германия).
Работал в Симфоническом оркестре Москвы «Русская филармония», оркестре Московской филармонии под управлением В. Понькина, Государственной академической симфонической капелле России под управлением В. Полянского, сотрудничал с брасс-квинтетом «Каприз» под руководством Л. Чистякова, солировал с Образцово-показательным оркестром Министерства Обороны РФ, Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия».
Участник Первого Всероссийского фестиваля тубы «Туба — Миру» в Ростове-на-Дону.
Израильский композитор Ури Бренер посвятил Павлу Умярову свою сюиту для тубы и фортепиано «Некрасивый пейзаж».
Павел Умяров ведет активную просветительскую деятельность, выступает в качестве организатора профессиональных форумов, занимается журналистикой.
Что такое брасс-квинтет, диксиленд и биг-бенд? Виды джазовых ансамблей
Скорее всего, вы часто слышали такие слова как «диксиленд» или «брасс-квинтет» и не особо задумывались об их значении. Эти слова обозначают типы различных джазовых ансамблей. Некоторые по таким «заморским» названиям пытаются их классифицировать, а мы попытаемся просто объяснить, что к чему.
Что такое брасс-квинтет?
Брасс-квинтет – коллектив, являющийся основой всех основ в джазовом деле. Слово «брасс» переводится на русский как «медь». «Квинтет» образовано от «квинта» – «пять». Отсюда и выходит, что брасс-квинтет – группа исполнителей на пяти медно-духовых инструментах.
Наиболее популярный состав: труба, валторна (на худой конец альт), баритон, тромбон и туба (или бас-баритон). Для такого ансамбля написано огромное количество всевозможных переложений, ведь по сути, это маленький оркестр, где валторна играет роль малого барабана, а туба – роль большого.
Итак, репертуар брасс-квинтета может быть весьма разнообразным: я лично слышал исполнение таким составом исполнение известной всем Хабанеры из оперы «Кармен», то бишь популярной классики. Но, между прочим, этаким составом весело будет играть и так называемый садовый репертуар: вальсы, романсы. Не исключено и исполнение эстрадных и эстрадно-джазовых произведений.
Что за состав – диксиленд?
Если же к брасс-квинтету прибавить банджо и контрабас (ещё неплохо сюда вписался бы и кларнет), то получится совершенно иной коллектив – диксиленд. «Диксиленд» дословно переводится как «страна Дикси» (а Дикси – это южная область американского материка, которую в своё время облюбовали белые люди).
Исторически сложившийся факт: диксилендам чаще всего «вручают» не тот джазовый репертуар, что основан на традициях негритянского фольклора, а европейские произведения, которые отличаются мягкостью звучания, плавностью и мелодичностью. Связано это с тем, что диксиленды исполняли «белый» джаз и не брали в свои команды чёрных джазменов. Состав ориентирован на исполнение лёгкой, подвижной эстрадной и джазово-эстрадной музыки.
Что можно назвать биг-бендом?
Если же к диксиленду прибавить большую ритмическую секцию (ударные и клавишно-струнные), ввести секцию деревянных духовых (если этого не было сделано в исходном составе диксиленда), а также увеличить количество музыкантов, играющих на родственных инструментах, дабы получить полифоническое звучание и переплетение партий, то получится настоящий биг-бенд. С английского языка «биг-бенд» переводится как «большая группа».
На самом-то деле состав выходит не совсем большой (до двадцати человек), но он уже считается законченным джазовым коллективом, готовым исполнять самый разнообразный репертуар – начиная от строевых маршей и заканчивая такими популярными композициями, как «IfeelGood» Джеймса Брауна или «WhataWonderfulWorld» Луи Армстронга.
Итак, вам, дорогие читатели, были представлены основные виды джазовых ансамблей. После такого тотального просветления в этой маленькой “неразберихе” позволительно немного расслабиться. Для вас у нас припасена хорошая музыка:
Ленинградский диксиленд играет “Чунга-чангу”
Глас трубный: что происходит с брасс-ансамблями в России
Ситуация с духовой музыкой в России не может не расстраивать честного христианина, ведь именно христианскому миру поручено славить Господа гласом трубным. Ясный и звонкий тембр этого инструмента доходит даже до медвежьего уха. Однако ни труба, ни другие медные ее собратья по брасс-секции пока не заслужили широкой народной любви. Что происходит с медными духовыми в России и каковы причины такого незавидного положения брасса?
Брасс-секция — это группа медных духовых инструментов, к которым относятся труба, тромбон, валторна, туба, саксофон и некоторые другие разновидности металлических инструментов. Современная поперечная флейта тоже сделана из металла, хотя ее исторического предка производят из дерева. Мягкий шелковый тембр флейты, в отличие от звонкой меди, имеет «деревянный оттенок», поэтому она является единственным металлическим исключением в группе деревянных духовых инструментов.
В выражении «огонь, вода и медные трубы» последние призваны испытывать человека славой: парадоксально, но к сегодняшнему дню сами инструменты этой славы не испытали. Кроме библейской миссии прославления у трубы есть и более мирская задача — призывать воинов на рать. Голос сражений, завоевавший себе место в симфоническом оркестре, до сих пор не вышел на равные позиции со сладкоголосыми любимчиками толпы — скрипками и флейтами. Чтобы понять, что происходит с брасс-ансамблями сегодня, мы посетили один из лучших и показательных концертов в жанре духовой музыки.
Брасс-ансамбль Дягилевского фестиваля. Источник
26 мая в органном зале Пермской краевой филармонии выступил брасс-ансамбль Дягилевского фестиваля. Концерт, как обозначил трубач и конферансье Павел Курдаков, являлся вечером Маттиаса Хёфса и его учеников: большая часть ансамблистов учились или учатся у маэстро в Высшей школе музыки Гамбурга. При полном зале на этом концерте фестиваля было меньше всего критиков и прочих селебрити музыкального мира. Кажется, что слушатели в основном состояли из приближенных к миру духовой музыки и случайных людей. Почему брасс-ансамбли до сих пор в слепом пятне?
Существуют меломаны, коллекционирующие записи струнных квартетов, несть числа любителей классической оперы, но, когда речь заходит о «медяшках» (так в просторечии называют медные духовые инструменты), количество знатоков и любителей резко уменьшается. Тромбон, а еще чаще туба выступают героями музыкальных мемов, а сами духовики нередко подвергаются остракизму и стереотипизации. Однако всерьез говорить об этой несправедливости не спешат. Впрочем, как и ходить на концерты брасс-ансамблей.
Один из многочисленных мемов о тубисте. Источник
Если вы не знаете, как проявить свой незаурядный вкус, обратите внимание на брасс-ансамбли: велика вероятность, что вы не найдете себе конкурента в обсуждении вопроса даже через шесть рукопожатий.
Вместо того чтобы обходить неудобные углы, стоит взглянуть проблеме в лицо и выяснить, почему меломаны до сих пор не освоили такое непаханое поле, как ансамблевая духовая музыка. Как так получилось и почему при высоком авторитете саксофона остальная медная секция всё еще курит в сторонке?
Медные духовые получили высокий статус в XX веке, вместе с расцветом джаза. Уличные диксиленд-оркестры использовали эти инструменты, потому что они были достаточно громкими и подходили для сопровождения похоронных или праздничных процессий.
В джазовом оркестре брасс-секция стала ключевой: именно по слаженной игре медных духовых оценивается уровень биг-бэнда.
Но что дозволено Юпитеру, не дозволено быку, и академическая музыка здесь вовсе не в роли Юпитера.
Квартет тромбонов Music Brass
В XIX веке возник симфонический оркестр, каким мы знаем его сегодня, — на его создание больше всего повлияли Бетховен, Берлиоз и Вагнер. Хотя тромбон уже использовали в своих операх Глюк и Моцарт, в оркестр на постоянной основе его взял Бетховен. С Пятой симфонии он начинает использовать его регулярно.
Три пьесы для квартета тромбонов, Людвиг ван Бетховен
Несмотря на то что медные духовые не так давно «вышли в свет», их репертуар не ограничивается последними эпохами. Переложения и аранжировки барокко для меди звучат не менее интересно, чем оригинал, в этом можно было убедиться и на концерте Дягилевского брасс-ансамбля. Интересной особенностью профессии является умение создавать переложения произведений, что в положительную сторону отличает духовиков от скрипачей, которым этот навык не требуется. В первом отделении концерта прозвучали талантливые аранжировки Маттиаса Хёфса и тромбониста Андрея Салтанова.
Аранжировка Андрея Салтанова для шестнадцати тромбонов
Еще в 1820-х годах дирижеры позволяли себе менять партии местами и отдавать музыку, предназначенную для духовых, другим инструментам. Это приводило в ярость Берлиоза, который нередко приходил со своими друзьями громить подобные постановки. Но такие акции прямого действия не давали результатов, пока сам Берлиоз не взялся за дело: ему принадлежат основные труды по оркестровке и дирижированию. Тромбон заиграл новыми красками и у Вагнера: теперь ему поручались лирические темы любви.
Отрывок из увертюры к опере «Тангейзер» Вагнера. Ведущая мелодия поручена секции тромбонов
Помимо прочего, он создал инструмент, который впоследствии назовут вагнеровской тубой (хотя правильнее классифицировать ее как валторну). К ее созданию приложил руку и Адольф Сакс — знаменитый создатель саксофона. На концерте ансамбля этот инструмент был представлен отдельно; поясняющие реплики Павла Курдакова об инструментах и композиторах легко и ненавязчиво добавляли мероприятию образовательную компоненту.
Репетиция квартета вагнеровских туб
Принято считать, что эпоха современной академической музыки начинается с Камерной симфонии Шёнберга, в которой каждый инструмент получает право на собственную мелодию. С этих пор инструменты всё меньше используются как часть своей секции, появилась альтернатива привычной «игре строем», и вместо создания отдельных спецэффектов каждый из них отныне имеет право на свою песню. Тем не менее более ранняя классическая музыка всё еще доминирует, а традиционный романтический оркестр используется и в эстрадных оркестрах, и в киномузыке. По поводу применения тромбонов в качестве спецэффектов существует немало юмористических видео. Впрочем, это скорее грустно, чем весело.
Концерт глазами тромбониста
Второй фортепианный концерт Рахманинова глазами тромбониста
В XX веке для каждого инструмента создается свой репертуар — они могут как играть самостоятельно, так и солировать под аккомпанемент других инструментов. Если раньше туба выполняла только второстепенную роль, а низким медным доставалась в основном поддерживающая басовая линия, то сейчас все они могут быть в центре внимания.
Неоклассицист Пауль Хиндемит в первой половине XX века сочиняет концерты и сонаты почти для всех инструментов, и туба в их числе.
Эта инициатива не нова — в начале эпохи барокко тем же самым занимался Антонио Вивальди. Однако инструменты тех времен сильно отличались от нынешних, а некоторых модификаций духовых еще не существовало.
Соната для тубы и фортепиано Пауля Хиндемита
Концерт для фагота ми минор Антонио Вивальди
Что же происходит с брасс-секцией сегодня? Получив высокое положение в джазовом оркестре, медные инструменты тем не менее до сих пор остаются на обочине большой музыкальной жизни. И если широким массам известно имя Луи Армстронга, то назвать хотя бы одного знаменитого тромбониста или валторниста уже не так легко. Необходимо создавать условия для того, чтобы духовая музыка развивалась и находила пути к своему слушателю, поэтому включение концерта медных духовых в программу можно назвать правильной активистской позицией фестиваля.
Оркестр тромбониста Гленна Миллера
Концерт валторниста и мультиинструменталиста Аркадия Шилклопера
Еще одна широкая область применения медных духовых — киномузыка. Родом из эстрады и джаза, она предъявляет к духовикам высокие требования в плане ритмической организации, однако в России это как будто бы неизвестно. Каждый академический духовой концерт, включающий популярную киномузыку, снижает уровень мероприятия, и концерт 26 мая не стал исключением. Но можно ли ожидать чего-то иного в стране, где топовые академические пианисты позволяют себе «джазовые» бисы любительского уровня?
BRASSmafia исполняет произведения Энтони ди Лоренцо
Впрочем, проблема не только в предложении, но и в спросе. С джазом в России всё очень неровно: столичные бэнды не могут похвастаться такой слаженностью брасс-секции и качеством свинга, как, например, сибирские или питерские. Неизбалованный хорошим исполнением потребитель довольствуется игрой вразнобой, лишь бы музыка была понятной.
Спрос рождает предложение, и вместо того чтобы создавать свою аудиторию, духовые ансамбли подстраиваются под интересы толпы, даже если не могут в силу специфики своего образования исполнять ходовой репертуар на должном уровне. Именно поэтому на концерте Дягилевского брасс-ансамбля стоячие овации после популярных номеров только усугубляли ощущение глубокой музыкальной провинции, к которой относится не только Пермь, но и Россия вообще. Справедливости ради стоит заметить, что и европейские джазовые оркестры не всегда могут сравниться по уровню с американскими, да и отсутствием понимания специфики эстрадно-джазовой музыки грешат не только у нас.
Snarky Puppy, Metropole Orkest — Gretel
Труба является христианским сакральным инструментом, но эта история настолько непопулярна, что сегодня отдается эхом разве что в фестивалях вроде «Спасской башни». Военные оркестры — то, с чем профессиональный музыкант хочет ассоциироваться в последнюю очередь.
Но наследование сакрального титула трубы идет именно по этой военной линии. В XX веке с этим феноменом работал Родион Щедрин: в его хоровой опере «Боярыня Морозова» трубный тембр олицетворяет карающую власть.
Такой же подтекст вкладывает в медный тембр Шостакович, используя его как образ бюрократической или, по другой версии, фашистской машины.
Марш из Седьмой симфонии Шостаковича
Кажется, что военный флер не покидает медные духовые, хотя джаз должен был сместить этот акцент. Если бы только российский военный репертуар был более восприимчив к современным тенденциям и джаз в нашей стране освободился бы от репутации «музыки вражеской державы», можно было бы ожидать развития субкультурного направления военной музыки.
Шоу американского военного оркестра
Отсутствие развития хоровых и военных оркестров указывает на невысокие притязания нынешней власти в области искусства. Впрочем, неумение использовать сильнейший пропагандистский инструмент играет на руку оппозиционно настроенному большинству. А что касается религиозной оптики, можно сказать, что «священная труба должна зазвучать только в руках у достойного».
Дождемся ли мы нового золотого века трубы? Когда и в связи с чем это произойдет? Можно написать массу альтернативных исторических фантазий на этот счет, но из мертвой точки сложно увидеть какую-то перспективу. Остается надеяться, что модные музыкальные критики когда-нибудь перестанут хмуриться при упоминании брасс-концертов, а слушательский интерес будет подстегивать исполнителей повышать свой профессиональный уровень. Пока что с большинства концертов духовой музыки хочется только уйти «в небо по трубе».